Laterale

Nel teatro di Łukasz Twarkowski il pubblico è chiamato a entrare in un’esperienza percettiva che mette continuamente in discussione il modo abituale di guardare. Musica, suono, live video, movimento e scomposizione del tempo diventano strumenti per costruire una relazione ogni volta diversa con lo spettatore, fino a fargli dimenticare, per qualche istante, di essere a teatro. Nell’intervista condotta da Maddalena Giovannelli, Twarkowski racconta il suo lavoro creativo tra live cinema, indagini formali e filosofiche sulle nuove tecnologie – da The Employees a Quanta fino a Oracle – e un metodo fondato su lunghi periodi di ricerca e improvvisazione con gli attori. Ma il dialogo arriva anche a toccare la dimensione più fisica e politica del suo lavoro: l’energia da rave party che attraversa molti dei suoi spettacoli non è solo una scelta estetica, ma un modo di contrastare la nostra abitudine alla passività, di attraversare le complessità del presente.  

Nel teatro di Caroline Guiela Nguyen la Storia entra nelle vite private attraversando luoghi del quotidiano come ristoranti, ospedali, case di moda, e prende la forma di un esilio, di un segreto di famiglia, di una guerra, di una ferita che continua a lavorare nel presente. Nell’intervista condotta da Rossella Menna emerge con chiarezza quanto la sua formazione in sociologia abbia affinato uno sguardo attento alle strutture sociali, alle appartenenze, alle disuguaglianze e alle memorie collettive. Regista e autrice tra le voci più riconoscibili della scena europea, Nguyen costruisce mondi densamente narrativi, popolati di personaggi e segnati da un forte immaginario cinematografico, affidando alla finzione il compito di dare forma a ciò che il documento da solo non riesce a restituire. Anche quando il punto di partenza sembra biografico, come nel caso di Saigon, il racconto individuale si apre a una storia più vasta, fatta di colonialismo, migrazioni, identità e trasmissioni familiari. Nel dialogo affiorano anche il ruolo dei luoghi nella scrittura scenica, il rapporto con il cinema e l’esperienza alla guida del Théâtre National de Strasbourg, dove Nguyen lavora a un’idea di teatro aperto alla città, a nuovi pubblici e a forme diverse di racconto.

Nella pratica coreografica di Trajal Harrell, la danza è uno spazio di incontro: tradizioni, codici e memorie che non hanno necessariamente condiviso una storia comune entrano in tensione per andare a definire una nuova estetica. Un linguaggio ormai inconfondibile, che valorizza la vulnerabilità e la gioia della creazione artistica. Leone d’argento alla Biennale di Venezia 2024 e Dancer of the year per la rivista Tanz nel 2018, Harrell nel suo lavoro mette in discussione i confini non solo tra linguaggi, ma anche tra virtuosismo e delicatezza, rendendo la danza uno spazio di espressione delle fragilità.  
Nell’intervista curata da Francesca Serrazanetti, Harrell attraversa i capisaldi del suo lavoro di coreografo, a partire da Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church. Nelle sue parole, la creazione artistica è uno spazio per porsi domande, una materia viva inscritta nei corpi e nelle loro possibilità di trasmissione, mentre lo spazio scenico si configura come luogo relazionale e non necessariamente teatrale. 
Emergono, così il rapporto tra immaginazione e storia e la capacità della danza di reinventare le gerarchie del canone, interrogandoci su come il movimento possa custodire, trasformare e rendere nuovamente visibili memorie e saperi.

Malinconica. Verrebbe da sintetizzare così la visione teatrale di Mario Banushi, regista greco-albanese, ventott’anni, Leone d’Argento alla Biennale di Venezia 2026. Riconoscimento arrivato veloce. Dopo l’ottima accoglienza della sua trilogia “Romance Familiare” (Ragada; Goodbye, Lindita; Taverna Miresia) e il più recente Mami. Lavori in cui è profondo il confronto con le radici: l’infanzia, gli spazi della casa, i gesti della cura. Condivisi sul palco attraverso uno sguardo spesso colmo di affetto. Nostalgico. La grammatica scenica ad alimentarsi di evocazioni. Prima di tornare improvvisamente a sanguinare inseguendo l’ispirazione di un tratto più forte. L’estetica che si fa spigolo. Di questo e di molto altro racconta Banushi nell’intervista curata da Diego Vincenti. Dove si ragiona insieme sul continuo dialogo con la memoria. La famiglia e il lutto. Della furia esistenziale che emerge dai profili femminili e di dove collocare un’idea di casa. Ma anche di nuove generazioni, le dinamiche produttive sostenute dalla Onassis Stegi, del linguaggio e della sua assenza. Che la parola sarà pure lo strumento principale con cui fare i conti rispetto al proprio orizzonte culturale. Ma forse non è così necessario. Almeno per il momento.