Laterale

Łukasz Twarkowskis Theaterstücke laden das Publikum zu einer Wahrnehmungserfahrung ein, die unsere gewohnte Sichtweise ständig in Frage stellt. Musik, Klang, Live-Video, Bewegung und die Dekonstruktion der Zeit werden zu Mitteln, um jedes Mal eine andere Beziehung zum Publikum aufzubauen und es für einige Augenblicke vergessen zu lassen, dass es sich im Theater befindet. Im Interview mit Maddalena Giovannelli spricht Twarkowski über sein kreatives Schaffen, das sich über Live-Kino, formale und philosophische Auseinandersetzungen mit neuen Technologien – von The Employees über Quanta bis hin zu Oracle – sowie eine Methode erstreckt, die auf langen Phasen des Studiums und der Improvisation mit den Schauspielern basiert. Das Gespräch berührt aber auch die eher körperlichen und politischen Dimensionen seiner Arbeit: Die Energie von Rave-Partys, die viele seiner Shows durchdringt, ist nicht bloß eine ästhetische Entscheidung, sondern eine Möglichkeit, unserer Tendenz zur Passivität entgegenzuwirken und uns in den Komplexitäten der Gegenwart zurechtzufinden.

In Caroline Guiela Nguyens Theaterstücken dringt die Geschichte in das Privatleben ein, indem sie Orte des Alltags wie Restaurants, Krankenhäuser und Modehäuser durchquert, und nimmt die Form eines Exils, eines Familiengeheimnisses, eines Krieges oder einer Wunde an, die bis in die Gegenwart hineinwirkt. In dem von Rossella Menna geführten Interview wird deutlich, wie sehr ihre Ausbildung in Soziologie ihren aufmerksamen Blick für soziale Strukturen, Zugehörigkeiten, Ungleichheiten und kollektive Erinnerungen geschärft hat. Als Regisseurin und Autorin, die zu den bekanntesten Stimmen der europäischen Szene zählt, erschafft Nguyen erzählerisch dichte Welten, die von Figuren bevölkert und von einer starken filmischen Bildsprache geprägt sind, wobei sie der Fiktion die Aufgabe anvertraut, dem Gestalt zu verleihen, was das Dokument allein nicht wiedergeben kann. Selbst wenn der Ausgangspunkt biografisch erscheint, wie im Fall von Saigon, öffnet sich die individuelle Erzählung einer umfassenderen Geschichte, die von Kolonialismus, Migration, Identität und familiären Überlieferungen geprägt ist. Im Gespräch kommen auch die Rolle der Orte im szenischen Schreiben, die Beziehung zum Kino und die Erfahrungen an der Spitze des Théâtre National de Strasbourg zur Sprache, wo Nguyen an einer Theaterkonzeption arbeitet, die offen ist für die Stadt, für neue Zielgruppen und für verschiedene Erzählformen.

In Trajal Harrells choreografischer Praxis ist der Tanz ein Ort der Begegnung: Traditionen, Codes und Erinnerungen, die nicht unbedingt eine gemeinsame Geschichte teilen, stehen in einem Spannungsverhältnis zueinander und definieren so eine neue Ästhetik. Eine mittlerweile unverwechselbare Sprache, die die Verletzlichkeit und die Freude am künstlerischen Schaffen in den Vordergrund rückt. Als Gewinner des Silbernen Löwen an der Biennale von Venedig 2024 und als „Dancer of the Year“ der Zeitschrift „Tanz“ im Jahr 2018 hinterfragt Harrell in seinem Werk die Grenzen nicht nur zwischen den verschiedenen Ausdrucksformen, sondern auch zwischen Virtuosität und Zartheit und macht den Tanz so zu einem Raum, in dem Verletzlichkeit zum Ausdruck kommt.
In dem von Francesca Serrazanetti geführten Interview geht Harrell auf die Eckpfeiler seiner Arbeit als Choreograf ein, ausgehend von Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church. In seinen Worten ist das künstlerische Schaffen ein Raum, um Fragen zu stellen, eine lebendige Materie, die in den Körpern und deren Möglichkeiten der Vermittlung verankert ist, während sich der Bühnenraum als relationaler und nicht unbedingt theatralischer Ort konstituiert.
So treten die Beziehung zwischen Vorstellungskraft und Geschichte sowie die Fähigkeit des Tanzes zutage, die Hierarchien des Kanons neu zu erfinden, und werfen die Frage auf, wie Bewegung Erinnerungen und Wissen bewahren, transformieren und wieder sichtbar machen kann.

Melancholisch. So ließe sich die Theatervision von Mario Banushi, einem 28-jährigen griechisch-albanischen Regisseur und Gewinner des Silbernen Löwen bei der Biennale von Venedig 2026, zusammenfassen. Eine Auszeichnung, die ihm schnell zuteilwurde. Nach der hervorragenden Resonanz auf seine Trilogie „Romance Familiare“ (Ragada; Goodbye, Lindita; Taverna Miresia) und seinem jüngsten Werk Mami. Werke, in denen die Auseinandersetzung mit den Wurzeln tiefgreifend ist: die Kindheit, die Räume des Zuhauses, die Gesten der Fürsorge. Auf der Bühne vermittelt durch einen Blick, der oft voller Zuneigung ist. Nostalgisch. Die szenische Grammatik nährt sich von Assoziationen. Bevor sie plötzlich wieder blutet, auf der Suche nach der Inspiration für einen stärkeren Strich. Eine Ästhetik, die kantig wird. Davon und von vielem mehr erzählt Banushi in dem von Diego Vincenti geführten Interview. Dort wird gemeinsam über den ständigen Dialog mit der Erinnerung nachgedacht. Die Familie und die Trauer. Von der existenziellen Wut, die aus den weiblichen Profilen hervorgeht, und davon, wo man eine Vorstellung von Zuhause verorten kann. Aber auch von neuen Generationen, den von Onassis Stegi unterstützten Produktionsdynamiken, von der Sprache und ihrer Abwesenheit. Das Wort mag zwar das wichtigste Instrument sein, um sich mit dem eigenen kulturellen Horizont auseinanderzusetzen. Aber vielleicht ist es gar nicht so notwendig. Zumindest im Moment.