Laterale

Les œuvres théâtrales de Łukasz Twarkowski invitent le public à se lancer dans une expérience perceptive qui remet sans cesse en question notre façon habituelle de voir les choses. La musique, le son, la vidéo en direct, le mouvement et la déconstruction du temps deviennent autant d’outils permettant de tisser à chaque fois une relation différente avec le public, lui faisant oublier, l’espace de quelques instants, qu’il se trouve au théâtre. Dans cet entretien avec Maddalena Giovannelli, Twarkowski évoque son travail créatif, qui englobe le cinéma en direct, des explorations formelles et philosophiques des nouvelles technologies – de The Employees à Quanta en passant par Oracle – ainsi qu’une méthode fondée sur de longues périodes d’étude et d’improvisation avec les comédiens. Mais la conversation aborde également les dimensions plus physiques et politiques de son travail : l’énergie des raves qui imprègne bon nombre de ses spectacles n’est pas seulement un choix esthétique, mais une manière de contrer notre tendance à la passivité et de naviguer dans les complexités du présent.

Dans le théâtre de Caroline Guiela Nguyen, l’Histoire s’immisce dans la vie privée en traversant des lieux du quotidien tels que les restaurants, les hôpitaux ou les maisons de couture, et prend la forme d’un exil, d’un secret de famille, d’une guerre, d’une blessure qui continue de faire son effet dans le présent. Dans l’entretien mené par Rossella Menna, il apparaît clairement à quel point sa formation en sociologie a affiné son regard attentif sur les structures sociales, les appartenances, les inégalités et les mémoires collectives. Réalisatrice et autrice comptant parmi les voix les plus reconnaissables de la scène européenne, Nguyen construit des univers aux récits denses, peuplés de personnages et marqués par un imaginaire cinématographique fort, confiant à la fiction la tâche de donner forme à ce que le document seul ne parvient pas à restituer. Même lorsque le point de départ semble biographique, comme dans le cas de Saigon, le récit individuel s’ouvre sur une histoire plus vaste, faite de colonialisme, de migrations, d’identités et de transmissions familiales. Le dialogue aborde également le rôle des lieux dans l’écriture scénique, son rapport au cinéma et son expérience à la tête du Théâtre national de Strasbourg, où Nguyen travaille à une conception du théâtre ouvert à la ville, à de nouveaux publics et à différentes formes de narration.

Dans la pratique chorégraphique de Trajal Harrell, la danse est un lieu de rencontre : des traditions, des codes et des mémoires qui n’ont pas nécessairement partagé une histoire commune entrent en tension pour définir une nouvelle esthétique. Un langage désormais unique, qui met en valeur la vulnérabilité et la joie de la création artistique. Lion d’argent à la Biennale de Venise en 2024 et Dancer of the year décerné par le magazine Tanz en 2018, Harrell remet en question dans son œuvre les frontières non seulement entre les langages, mais aussi entre virtuosité et délicatesse, faisant de la danse un espace d’expression des fragilités.
Dans l’entretien mené par Francesca Serrazanetti, Harrell passe en revue les fondements de son travail de chorégraphe, à commencer par Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church. Selon lui, la création artistique est un espace où l’on peut se poser des questions, une matière vivante inscrite dans les corps et dans leurs possibilités de transmission, tandis que l’espace scénique se présente comme un lieu relationnel et pas nécessairement théâtral.
Il en ressort ainsi la relation entre l’imagination et l’histoire, ainsi que la capacité de la danse à réinventer les hiérarchies du canon, en nous interrogeant sur la manière dont le mouvement peut préserver, transformer et rendre à nouveau visibles les mémoires et les savoirs.

Mélancolique. C’est ainsi que l’on pourrait résumer la vision théâtrale de Mario Banushi, metteur en scène gréco-albanais de vingt-huit ans, lauréat du Lion d’argent à la Biennale de Venise 2026. Une distinction qui ne s’est pas fait attendre. Après l’excellent accueil réservé à sa trilogie « Romance Familiare » (Ragada ; Goodbye, Lindita ; Taverna Miresia) et à son œuvre la plus récente, Mami. Des œuvres dans lesquelles la confrontation avec ses racines est profonde : l’enfance, les espaces de la maison, les gestes de bienveillance. Partagés sur scène à travers un regard souvent empreint d’affection. Nostalgique. Une grammaire scénique qui se nourrit d’évocations. Avant de revenir soudainement à la douleur, à la poursuite de l’inspiration d’un trait plus fort. Une esthétique qui se fait anguleuse. C’est de cela et de bien d’autres choses encore que parle Banushi dans l’interview réalisée par Diego Vincenti. Où l’on réfléchit ensemble au dialogue permanent avec la mémoire. La famille et le deuil. De la fureur existentielle qui émerge des profils féminins et de la place à accorder à l’idée de foyer. Mais aussi des nouvelles générations, des dynamiques de production soutenues par Onassis Stegi, du langage et de son absence. Car si la parole est certes l’outil principal pour se confronter à son propre horizon culturel, elle n’est peut-être pas si indispensable. Du moins pour l’instant.