Fantômes, mémoire, Lumières 

Hiver 1798 : un médecin spécialiste du mesmérisme arrive à Dux, en Bohême, pour rendre visite au vieux bibliothécaire. Ce bibliothécaire n’est autre que Giacomo Casanova, au service du comte de Waldstein depuis quinze ans. Casanova apparaît vieux et en piteux état. Il est en train de cataloguer des livres et en a assez des courtisans de Dux qui lui parlent en allemand, une langue qu’il ne connaît pas. La seule entreprise qui le passionne désormais est la rédaction de l’Histoire de ma vie, cet immense ouvrage autobiographique retraçant sa vie, ses aventures, ses voyages et ses fuites. Arrivé au septième volume, Casanova a commencé à perdre la mémoire et, terrifié, il a fait appeler le mesmériste pour la retrouver. Le vieux Casanova, éternel exilé et étranger dans le Nouveau Monde, figure du passé, est hanté par le temps perdu, par l’enfance perdue, et se souvient pour revivre de tout son être ces moments. Au cours de la séance de mesmérisme, Casanova, dans un état de conscience altéré, commence à se souvenir ; mais ce ne sont pas de vrais souvenirs, ils sont différents de ceux qu’il a décrits dans ses mémoires, ils ont le caractère de visions, de prémonitions, d’apparitions. Le médecin écoute l’histoire de Casanova, une histoire peuplée de fantômes, d’images fantomatiques. Pour Casanova, le souvenir commence par un épisode d’épistaxis. Un enfant dont le sang coule abondamment du nez. Après ce souvenir – ou ce rêve éveillé – de l’épistaxis, Casanova se retrouve dans l’obscurité d’un couvent : le lit blanc éclairé par la lumière de la lune, les voix des prêtres, les exigences qu’ils lui imposent, les liens avec ses compagnons. Casanova, désormais profondément plongé dans un sommeil mesmérique, se retrouve à un banquet vénitien lors de sa dernière nuit de liberté. En effet, dans la nuit du 25 au 26 juillet 1755, il fut arrêté et emprisonné aux Piombi. L’accusation officielle était d’avoir diffusé des vers antireligieux. Le médecin mesmériste qui tente de le guérir ou de le réveiller se confond dans le rêve avec son compagnon de cellule, le frère somasco Marino Balbi. La nuit de son évasion des Piombi, le tremblement de terre de Lisbonne se produit, un événement qui a ébranlé les consciences de toute une génération. Ce tremblement de terre eut une forte influence sur de nombreux penseurs européens des Lumières, qui en débattirent dans le cadre de ce qu’on appelle la philosophie du désastre. Le caractère apparemment arbitraire avec lequel certaines personnes furent épargnées ou tuées par le séisme fut utilisé par Voltaire pour discréditer le concept du « meilleur des mondes possibles ». Casanova s’enfuit de Venise. Son long exil commence. À Paris, il fréquente le salon de la marquise d’Urfé, adepte des arts ésotériques. La marquise, selon les propres mots de Casanova « folle uniquement par excès d’intelligence », portant le nom initiatique d’Égérie, était une adepte de la magie, disciple de l’alchimiste Benoît de Maillet, dit Taliamed, et « excellente alchimiste » elle-même. La comtesse d’Urfé possédait un véritable laboratoire d’alchimie et avait rassemblé dans sa bibliothèque une vaste collection de manuscrits importants, notamment paracelsiens. La comtesse cède la place à Henriette. Dans son ouvrage autobiographique, Casanova raconte avoir rencontré, à l’automne 1749, à Cesena, sur une jeune Française charmante qui, fuyant les torts que lui avaient infligés son mari et son beau-père, voyageait – vêtue d’habits masculins – en direction de Parme en compagnie d’un vieux capitaine d’un régiment hongrois. La jeune femme, dont l’éducation et la sensibilité trahissent une haute lignée, se fait appeler Henriette. Henriette est peut-être la seule femme que Casanova ait jamais aimée, et pourtant il ne parvient pas à se souvenir de son visage. La dernière chose qu’Henriette a dite à Casanova (ou plutôt qu’elle a écrite sur une vitre) était : « Tu oublieras même Henriette ». À la fin de la séance, dont le but était de retrouver la mémoire perdue, Casanova comprend que ce qu’il doit peut-être faire, c’est tout oublier. 

Sonate des fantômes  

Casanova est une réflexion sur la mémoire et le temps : non seulement ceux de Giacomo Casanova, mais aussi ceux de toute une époque. Il existe des personnages à travers lesquels on peut mesurer la transition d’une époque historique. Casanova – né au début du siècle, en 1725, et mort aux portes du siècle suivant, en 1798 – est l’un de ces corps qui font office de champs de bataille. Peu d’autres que lui ont été aussi profondément européens, expressions d’une culture exubérante et libre de toute frontière nationale ; peu d’autres que lui ont su, presque malgré eux, incarner un siècle. Giacomo Casanova est peut-être le baromètre le plus parfait du XVIIIe siècle, un siècle qui connaît l’un des plus grands bouleversements culturels, politiques et anthropologiques dont l’histoire se souvienne : la fin de l’aristocratie et l’ascension de la bourgeoisie ; le déclin des mythes religieux et l’accélération du capitalisme de marché ; le début du siècle des Lumières et du rationalisme matérialiste. C’est le siècle de Kant et de la « disparition de la réalité » au profit de la perception subjective du monde. C’est le siècle du tremblement de terre de Lisbonne, qui, en 1755, a bouleversé les consciences de toute l’Europe, faisant naître la conviction que ce n’était pas une sagesse divine qui régissait la nature, mais un hasard aveugle et purement déterministe. C’est le siècle de Voltaire, qui apparaît d’ailleurs sur scène comme un commentateur des événements ; c’est le siècle de la technologie et des premières machines industrielles ; c’est le siècle du premier vol à bord d’une montgolfière, qui suscita un immense émerveillement et fit rêver tant de gens à la subversion des lois de la nature grâce à l’ingéniosité humaine. Enfin, c’est le siècle de la Révolution française, véritable ligne de démarcation entre deux époques. Dans tous ces événements, Casanova a été en quelque sorte un témoin, une conscience gênante, agaçante, tourmentée – pleine expression de son époque et, en même temps, son élément refoulé, quelque chose de tenace, de dérangeant et de régressif que le progrès doit expulser pour pouvoir évoluer. Cet homme mélancolique et rancunier, enfermé comme un prisonnier dans une petite bibliothèque de Bohême, n’est pas seulement une personnalité célèbre d’une époque révolue : c’est un masque tragicomique, un paradigme en mutation, une icône qui marque la fin d’un monde et le début d’un autre.  
Le théâtre, disait Artaud, est un dialogue avec les morts. C’est là le cœur autour duquel s’articule Casanova : le théâtre comme rituel qui met en communication les vivants et les morts, le présent et le passé, ce qui est, ce qui n’est plus et même ce qui sera. Le temps est irrévocable et ne s’écoule que dans un seul sens ; ce qui s’est produit une fois ne reviendra jamais : c’est ce que rappellent sans cesse les personnages qui, au cours de cette longue nuit, viennent rendre visite à Casanova, comme une sorte d’avertissement inlassable. Et pourtant, le rituel théâtral permet ce qui est impossible dans la vie : briser l’unicité du temps, inverser son cours, bouleverser l’ordre de l’irrévocable. La vie de Giacomo Casanova a toujours été un hymne à la vitalité : aventurier, amant, joueur, fugitif, soldat de fortune, philosophe itinérant – son existence est toujours traversée par un désir irrépressible et insaisissable : une inquiétude, une fuite incessante vers l’avant. À présent, dans le dernier acte de sa vie, cette inquiétude devient l’emblème d’une rébellion désespérée contre la mortalité. C’est ce que représentent les différents personnages de cette sonate des fantômes : l’aimable et ambigu mésmeriste ; le frère Marino Balbi, compagnon de cellule de Casanova pendant son incarcération à la prison des Piombi ; la jeune Henriette, qu’il a aimée puis abandonnée ; et surtout la marquise d’Urfé, lunaire, ésotérique et futuriste : autant de tentatives pour enrayer l’entropie du monde, pour modifier cette irrévocabilité qui fait apparaître chaque vie comme un destin. Chacun d’entre eux représente un tournant dans la vie de Casanova, un point d’interrogation dans sa biographie, tel un carrefour resté dramatiquement ouvert. Comme l’a écrit un jour Friedrich Nietzsche : on ne se souvient que de ce qui n’a jamais cessé de faire mal. 

La scénographie de *Casanova* s’inscrit dans la continuité du travail de recherche que je mène avec Fabio Condemi depuis 2017, et qui a débuté à la Biennale de Venise avec *Jakob von Gunten* de Robert Walser. Depuis lors, nous avons exploré de grands textes, théâtraux ou non : *La philosophie dans le boudoir* de Sade, *Nottuari* de Thomas Ligotti, *Calderón* de Pier Paolo Pasolini, *The Turn of the Screw* de Benjamin Britten. Dans toutes ces œuvres, et aujourd’hui dans *Casanova* , notre approche de la scène n’a jamais été monumentale, mais a toujours recherché une légèreté capable de générer des images éphémères, qui se composent et se dissolvent sous les yeux du spectateur, comme dans un rêve.  
Le dispositif scénique de *Casanova* fait explicitement référence à la bibliothèque de Dux, en Bohême, où le protagoniste, désormais âgé, rédige ses mémoires. C’est là que prend forme l’intuition dramaturgique de Fabrizio Sinisi : le récit se déroule à travers une séance de mesmérisme, transformant la mémoire en un voyage entre apparitions et disparitions. La bibliothèque devient ainsi un cadre qui renferme un contenu changeant, à l’instar des œuvres de Giulio Paolini, qui a exploré le concept de cadre non seulement comme limite de l’œuvre, mais aussi comme passage vers d’autres mondes. Dans notre mise en scène, la bibliothèque de Dux est ce cadre ajouré, qui s’ouvre sur des visions et des paysages intérieurs, évoquant le cinéma de Peter Greenaway et d’Ingmar Bergman, en particulier *La Maison des fraises* et *Fanny et Alexander* , où la mémoire transforme l’espace en un lieu de l’esprit. 
Au cœur de la scène se joue un jeu de superpositions et de transparences. Casanova, enfant, anime l’espace avec une lanterne magique, faisant entrer dans la bibliothèque des paysages extérieurs, tandis qu’une grande baie vitrée ne donne pas sur une forêt, mais sur un rocher lunaire qui évoque les astres et le temps infini. Entre les rayonnages, un tableau reproduit une voûte céleste, un ciel peint qui devient une fenêtre sur un autre espace. 
Le travail sur la lumière de Giulia Pastore est fondamental : il crée un jeu d’ombre et de lumière, nous permettant de construire un montage mental des éléments scéniques. À l’instar de la lumière, la dramaturgie musicale d’Andrea Gianessi intervient elle aussi dans le processus d’expansion et de contraction de l’espace. Le paysage sonore projette l’extérieur à l’intérieur : le son de la lagune de Venise se mêle à celui d’un violoncelle mécanique, une machine célibataire qui – comme toutes les machines de la vision présentes sur scène – est faite pour ouvrir des passages, mais sans destination définitive. Le couvent est évoqué par des chœurs lointains, le tremblement de terre par une vibration sourde, un écho de la mémoire. 
Les costumes de Gianluca Sbicca participent eux aussi à cette construction d’un temps non linéaire. Le XVIIIe siècle est évoqué dans les costumes et dans certains éléments scéniques, mais il n’est pas reconstitué fidèlement : c’est un divertissement , un jeu avec l’imaginaire visuel contemporain. 
Chaque objet sur scène est un mécanisme de la mémoire. La petite montgolfière qui se détache sur la scène, telle un jouet, se transforme, dans l’interprétation de Sandro Lombardi, en une image gigantesque, capable d’ouvrir des mondes. À l’instar du saignement de nez dont Casanova a souffert dans son enfance – l’épistaxis, cette première vision à l’origine de tout –, chaque élément scénique devient un point d’accès aux souvenirs, un fragment qui s’épanouit en de nouvelles visions.

Lorsque Fabio Condemi m’a demandé de travailler sur ce projet, son intérêt pour les costumes du XVIIIe siècle, liés à l’imaginaire vénitien, m’est apparu clairement dès le départ : les styles des tableaux de Pietro Longhi, les couleurs de Tiepolo et les ambiances crépusculaires typiques de la lagune en hiver. Pour me rapprocher de cette vision, j’ai imaginé des personnages dont la silhouette et les couleurs seraient immédiatement reconnaissables, offrant ainsi au public un repère clair et les rendant identifiables. Tout est parti du costume de Casanova, qui m’a donné la clé de lecture pour tous les autres, et de la mise en scène de Fabio Cherstich qui, avec son approche installative de l’espace, exigeait des costumes de style XVIIIe siècle, mais dépourvus des ornements et des surstructures typiques du rococo. 
L’effet final consiste à mettre en scène des costumes qui, à leur manière, s’avèrent « minimalistes », aux couleurs vives et qui, lorsqu’ils sont éclairés à contre-jour, se transforment en silhouettes évoquant immédiatement l’époque de Giacomo Casanova. 

Dans la bibliothèque bohème où il est confiné, Casanova cherche à la lueur d’une bougie les visages des personnes qu’il est en train d’oublier, sans les trouver.  
Lorsque la nuit tombe et qu’il parvient enfin à plonger dans le rêve d’une séance de mesmérisme, le bruit de l’eau l’entraîne vers la mer sombre de Venise, d’où il refait surface dans l’espace de ses souvenirs. Là, comme animées par les lumières d’un manège, les silhouettes qui lui apparaissent s’illuminent avant de s’évanouir et ne semblent être que des lueurs de réalité, des fragments du passé rendant visite à un esprit voué à l’oubli. 
Sur scène, Casanova devient spectateur d’images insaisissables, qui se dissolvent et se recomposent en de nouvelles formes, se mêlant entre couleurs et fumée. Tandis qu’il poursuit sa mère qui l’a abandonné sur une rive sombre, qu’il tente de s’échapper du cône de lumière de la prison des Piombi, qu’il s’accroche tendrement au reflet de l’amour d’Henriette, derrière lui se profile l’ombre des tremblements de terre et des révolutions.  
Mais dans l’espace entre la lumière et l’obscurité, dans le temps entre le sommeil et l’éveil, tout ce qui nous est cher peut revenir, sans se soucier du temps qui passe et du monde qui change.  

La musique et la conception sonore que j’ai imaginées pour *Casanova* s’ancrent dans le thème de la mémoire qui s’estompe progressivement, fantôme, image floue qui se perd dans le temps, frontière entre un monde ancien voué à disparaître et un avenir révolutionnaire qu’il reste encore à comprendre. Le violoncelle est mon fil conducteur dramaturgique et musical, le fil du souvenir qui ne s’est jamais complètement rompu ; c’est l’instrument lié à la seule femme que Casanova ait peut-être aimée, la seule dont il ne parvient pas à se souvenir du visage. L’univers sonore est une transfiguration électronique de la Venise du XVIIIe siècle, avec en toile de fond, au loin, les musiques de Vivaldi et le clapotis de l’eau dans les ruelles, entre les bateaux amarrés. L’atmosphère est suspendue, fluide, comme lors d’une séance de mesmérisme où les sons surgissent pour incarner les personnes et les histoires de la vie du protagoniste. Un monde acousmatique tourbillonnant dont le violoncelle est en réalité le pivot et l’origine, tant dans les éléments de conception sonore que dans la musique. Des sonates pour violoncelle de Vivaldi, déconstruites et recomposées, répercutées ou détachées en sons synthétiques rétro-futuristes, aux échantillons traités électroniquement, tirés des expérimentations de la musique pour violoncelle du XXe siècle, jusqu’aux procédés minimalistes tels que la répétition en boucle, la dilatation et le déphasage des cellules musicales d’origine. Chaque son nous plonge inévitablement parmi les fantômes flous du souvenir, dans le paysage de la solitude ultime de Casanova. 

Fabrizio Sinisi
Dramaturgie
Dramaturge, poète et écrivain, il fait ses débuts en tant qu’auteur de théâtre en 2012 avec *La grande passeggiata* , mise en scène par Federico Tiezzi. Depuis 2010, il est dramaturge de la Compagnie Lombardi-Tiezzi et conseiller artistique du Centre théâtral de Brescia. Ses œuvres ont été traduites et jouées notamment en Autriche, en Croatie, en Égypte, en France, en Allemagne, en Grande-Bretagne, en Grèce, en Roumanie, en Espagne, en Suède, en Suisse et aux États-Unis. Il collabore régulièrement avec « Doppiozero » et le quotidien « Domani ». Il a remporté plusieurs prix, dont une mention de l’American Playwrights Project, le Prix Testori de littérature et le Prix national des critiques de théâtre. Son premier roman paraîtra en 2025 chez Mondadori.

Fabio Condemi
Mise en scène
Né en 1988, il obtient son diplôme de mise en scène à l’Académie nationale d’art dramatique « Silvio d’Amico » de Rome. Il a ensuite collaboré avec Giorgio Barberio Corsetti en tant qu’assistant pour des mises en scène théâtrales et d’opéra, ainsi que pour des projets pédagogiques. En 2018, il a fait ses débuts à la Biennale du théâtre de Venise, sous la direction d’Antonio Latella, avec *Jakob Von Gunten* , d’après le roman de Robert Walser. L’année suivante, elle présente au Théâtre India de Rome et au Théâtre Verdi de Pordenone *Questo è il tempo in cui attendo la grazia* , un monologue inspiré des scénarios de Pasolini et interprété par Gabriele Portoghese. Depuis 2019, il fait partie, aux côtés de DOM, Industria Indipendente, mk et Muta Imago, du nouveau projet de production et de résidence du Teatro di Roma intitulé « Oceano Indiano ». En 2020, il présente à la Biennale du théâtre de Venise *La philosophie dans le boudoir du marquis de Sade*, spectacle pour lequel il remporte, en 2021, le Prix Ubu de la meilleure mise en scène. Dans le cadre du projet numérique du LAC Lingua Madre. Capsule per il futuro, il assure la mise en scène d’*Analisi Logica* , d’après un texte de Riccardo Favaro, œuvre sélectionnée à l’Incontro del Teatro Svizzero 2022. En 2022, il met en scène *Calderón* de Pier Paolo Pasolini, réalisé dans le cadre du projet international « Prospero Extended Theatre ». En 2023, il met en scène *Nottuari* , d’après les œuvres de Thomas Ligotti, et fait ses débuts en tant que metteur en scène d’opéra avec *The Turn of the Screw* de Benjamin Britten pour les théâtres de Reggio Emilia. En 2024, il signe la mise en scène de *Ultimi crepuscoli sulla terra* , inspirée des œuvres de Roberto Bolaño.  

Sandro Lombardi
Casanova
Acteur, dramaturge et écrivain. Sous la direction de Federico Tiezzi, il a interprété, entre autres, des textes d’Aristophane, de Beckett, de Bernhard, de Brecht, de D’Annunzio, de Luzi, de Pasolini, de Pirandello et de Schnitzler. Ses spectacles consacrés à Giovanni Testori, qui ont révolutionné l’image de l’écrivain lombard, sont particulièrement remarquables. À quatre reprises, entre 1988 et 2002, il a reçu le Prix Ubu de la meilleure interprétation masculine. Il a enregistré sur CD les Poèmes de Pasolini et l’Enfer de Dante (Garzanti) ; Le théâtre de Giovanni Testori dans les spectacles de Sandro Lombardi et Federico Tiezzi (Edizioni ERI) ; ainsi que Cléopatràs de Giovanni Testori. Ses interprétations les plus récentes, unanimement saluées, sont *Antichi Maestri* de Thomas Bernhard (2020), *Scènes de Faust* de Johann W. Goethe et *Il Purgatorio* de Mario Luzi (2022). Pour ses débuts en tant que metteur en scène, il a dirigé Anna Della Rosa dans *Erodiàs + Mater strangosciàs* (2023). Entre théâtre, musique et radio, il a travaillé, entre autres, avec Furio Bordon, Arturo Cirillo, Giancarlo Cobelli, Rainer W. Fassbinder, Roberto Latini, Claudio Longhi, Mario Martone, Riccardo Muti, Giorgio Pressburger, Carlo Quartucci, Pascal Rambert, Paolo Rosa, Giorgio Sangati, Fabrizio Sinisi et Fabio Vacchi. Il a publié chez Garzanti *Gli anni felici* , un roman d’apprentissage lauréat du Prix Bagutta Opera Prima en 2004. En 2009 est paru son premier roman, *Le mani sull’amore* (Feltrinelli), suivi en 2015 de *Queste assolate tenebre* (Lindau), consacré à sa collaboration avec Mario Luzi.

Marco Cavalcoli Mesmerista
  
Il a suivi une formation au Teatro delle Albe, puis a travaillé dans le milieu théâtral expérimental du début des années 90, notamment avec le Teatrino Clandestino, la compagnie de théâtre disco Teddy Bear Company et enfin Fanny & Alexander, dont il est membre depuis 1998 et avec laquelle il s’est produit dans de nombreuses productions théâtrales, musicales et d’installations. Évoluant entre théâtre, musique, productions audiovisuelles et radiophoniques, il a travaillé, entre autres, avec Elvira Frosini et Daniele Timpano, lacasadargilla, Nextime Ensemble et Tempo Reale, Mario Perrotta, Giorgina Pi, Mauro Lamanna, Gob Squad, Geppy Gleijeses, Fabio Cherstich, Fabio Condemi, Nerval Teatro, Anagoor, Silvia Rigon, Jacopo Panizza et Wang Chong, Forced Entertainment et Aldes, Berardo Carboni, Paolo Bonacelli, Veronica Cruciani, Lorenzo Gioielli, Luigi Polimeni, Dimitri Grechi Espinoza. Au cinéma, il a été mis en scène par Sydney Sibilia, les Manetti Bros, Antonio Bigini et Alessandro Soetje, et a prêté sa voix à des personnages créés par Mitra Farahani et Giovanni Piperno. Il lit pour les émissions « Ad alta voce » et « Cose che succedono la notte » de Rai Radio 3. Il enseigne à l’Académie nationale d’art dramatique « Silvio D’Amico » et à la STAP Brancaccio de Rome. En 2022, il remporte le Prix Ubu du meilleur acteur italien. 

Simona De Leo
Henriette
Elle est née en 2001 à Cinquefrondi, dans la province de Reggio de Calabre. Après son baccalauréat scientifique, elle intègre l’École de théâtre « Luca Ronconi » du Piccolo Teatro de Milan, où elle obtient son diplôme en juin 2024. En décembre de la même année, elle participe au spectacle *Le Songe d’une nuit d’été (commentaire en continu)* de William Shakespeare / Riccardo Favaro, mis en scène par Carmelo Rifici.

Alberto Marcello
Voltaire  
Né en 1996, il commence sa formation auprès de l’actrice Lea Karen Gramsdorff, avec laquelle il entamera une longue collaboration. En 2017, il est admis à l’École de théâtre « Luca Ronconi » du Piccolo Teatro de Milan, dirigée par Carmelo Rifici, où il se formera, entre autres, auprès d’Alessio Maria Romano, Francesca della Monica, Antonio Latella, Paolo Rossi, Stefano Massini, Massimo Popolizio, Marta Ciappina et Lisa Ferlazzo Natoli. Il fait ses débuts au Piccolo Teatro de Milan avec *Doppio sogno* , d’après la nouvelle éponyme d’Arthur Schnitzler, mis en scène par Carmelo Rifici, avec lequel il travaille également dans *Ci guardano – prontuario di un innocente* , dans le cadre de *Lingua Madre*. Capsule per il futuro , projet lauréat du Prix spécial Ubu 2021. Après avoir obtenu son diplôme, elle participe à de nombreux spectacles en collaborant avec différents metteurs en scène, parmi lesquels Giacomo Lilliù dans *Teoria della classe disagiata* , Romeo Gasparini dans *Il grande nulla *, Chiara Cingolani dans *Astra Nostra * et Federico Tiezzi dans *Il Purgatorio*. *La notte lava la mente *, Andrea Chiodi dans *Sogno di una notte di mezza estate* et *La Passione* , Giovanni Ortoleva dans *La dodicesima notte (o quello che volete) * et *La signora delle Camelie *. À la télévision, elle participe à la série *Il Mostro* , réalisée par Stefano Sollima.    

Betti Pedrazzi,
marquise d’Urfé
Diplômée de l’Académie nationale d’art dramatique « Silvio D’Amico » de Rome, elle commence à travailler avec Luca Ronconi, son premier maître et metteur en scène. À cette époque, elle fonde la compagnie Il Quadro et dirige le Teatro Nuovo Eden de Carpi. Au théâtre, elle a notamment travaillé avec Luca Ronconi, Giancarlo Cobelli, Vincenzo Salemme, Carlo Cecchi, Valerio Binasco, Toni Servillo, Roberto Andò et Jean Bellorini. Elle remporte le prix Borgio Verezzi de la meilleure actrice dans un second rôle pour son interprétation d’Emilia dans *Othello* de William Shakespeare et est nominée au Prix Ubu pour la *Trilogie des vacances* de Carlo Goldoni. Récemment, elle a été dirigée par Lino Musella dans *Pinter Party*.  Au cinéma, parmi ses dernières œuvres les plus marquantes, on peut citer *18 regali* de Francesco Amato, *Figli* de Mattia Torre et Giuseppe Bonito, *È stata la mano di Dio* de Paolo Sorrentino, *Il più bel secolo della mia vita* d’Alessandro Bardani, « Bienvenue chez les Esposito » de Gianluca Ansanelli, « Immaculate », une coproduction internationale réalisée par Michael Mohan, ainsi que « Iddu » de Fabio Grassadonia et Antonio Piazza, en compétition au Festival de Venise 2024. À la télévision, il a participé à plusieurs séries, parmi lesquelles, récemment, *Vostro Onore* et *Il metodo Fenoglio* , réalisées par Alessandro Casale, *Imma Tataranni* de Francesco Amato et *Antonia*, réalisée par Chiara Malta.

Edoardo Matteo
Casanova, enfant  
Né en 2012 à Milan, il est l’aîné d’une fratrie de trois enfants. Timide et introverti, il a toujours aimé le monde du spectacle et le cinéma, trouvant dans le jeu d’acteur un moyen d’incarner ses personnages préférés et de s’exprimer pleinement. En 2019, il s’installe en Suisse, où il commence à cultiver sa passion et à suivre des cours dans une école d’art dramatique. *Casanova* de Fabio Condemi marque ses débuts sur scène.

Fabio Cherstich Scénographie
et dramaturgie de l’image   
Né en 1984, il est metteur en scène et scénographe de théâtre et d’opéra. Son travail allie une attention méticuleuse à l’esthétique visuelle à une passion pour les nouveaux médias et les langages artistiques contemporains. Il a travaillé dans de nombreux théâtres, notamment le Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg, le Teatro Massimo de Palerme, le Teatro dell’Opera de Rome, l’Opéra d’Avignon, l’Opéra de Marseille, le Théâtre Maillon de Strasbourg, le Teatro Argentina de Rome et les I Teatri de Reggio d’Émilie. Ses productions ont été invitées à des manifestations internationales prestigieuses, telles que le Festival de Naples, le Festival Première-Strasbourg, le Festival Dei Due Mondi de Spoleto, le STUCK Contemporary Art Center Festival de Louvain et la Biennale du théâtre de Venise. Il est le créateur et le metteur en scène d’Operacamion , un opéra itinérant décrit par le New York Times comme « un projet unique capable de ramener l’opéra à ses origines ». En tant que metteur en scène d’événements performatifs dans le domaine de la mode et du design, il a collaboré avec des marques telles que Cassina, Gufram, Memphis Milano, Fay, Hermès, Off-WHITE et Acne Studio. Il enseigne l’esthétique de la mise en scène théâtrale à la Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi et à l’université IULM de Milan. Depuis toujours passionné par l’art contemporain, avec un intérêt particulier pour la scène underground de Manhattan des années 80 et 90, il est depuis 2019 conservateur du Larry Stanton Estate à New York.

Gianluca Sbicca Costumes
  
Né en 1973, il a étudié la scénographie à l’Académie de Brera à Milan. Après diverses expériences dans le domaine de la mode, il s’est tourné vers le théâtre en tant qu’assistant de Jacques Reynaud pour *Lolita* – scénario de Vladimir Nabokov (2001), mise en scène de Luca Ronconi, avec lequel il a également collaboré pour *Phoenix* de Marina Tsvetaïeva (2001). C’est également pour ce maître qu’il signe les costumes de sa première pièce, *Candelaio* de Giordano Bruno (2001). C’est ainsi que débute une collaboration artistique avec Ronconi, qui s’est poursuivie pendant 15 ans, jusqu’à son dernier spectacle, *Lehman Trilogy *. Elle collabore ensuite régulièrement avec Claudio Longhi, pour lequel elle signe les costumes de plusieurs spectacles, dont *La classe ouvrière va au paradis * et *Ho paura torero *. Au cours de sa carrière, il travaille également, tant au théâtre qu’à l’opéra, avec de nombreux metteurs en scène, parmi lesquels Massimo Popolizio, Stefano Ricci, Peter Greenaway, Alvis Hermanis, Gabriele Lavia, Federico Tiezzi, Valter Malosti, Giorgio Sangati, Jacopo Gassmann, Sergio Blanco, Roberto Latini, Fabio Condemi, Fabio Cherstich, Lino Guanciale et Fanny & Alexander. Elle collabore régulièrement avec le créateur de mode Antonio Marras sur diverses installations et pièces de théâtre. En 2018, elle remporte le Prix Ubu et le Prix Le Maschere del Teatro Italiano pour les costumes de *Freud ou l’interprétation des rêves* de Federico Tiezzi ; en 2022, elle reçoit le Prix Ubu pour les costumes de *M, le fils du siècle* de Massimo Popolizio. 

Giulia Pastore Conception
lumière Après
un lycée classique et une licence en arts du spectacle, elle se spécialise dans la conception lumière et accompagne depuis 2012 des compagnies de théâtre et de danse dans le cadre de productions et de tournées italiennes et internationales. Elle a signé les lumières pour Deflorian/Tagliarini (La végétarienne, Nous aurons encore l’occasion de danser ensemble, Qui a tué mon père, Le ciel n’est pas une toile de fond, Mémoire de jeune fille ), Carmelo Rifici (Les Liaisons dangereuses ), VicoQuartoMazzini (La ferocia ), Cristina Rizzo (Bolero Effect, Ikea, Prelude ), Marco D’Agostin (Best Regards , nominé aux Prix Ubu 2021 dans la catégorie « meilleur spectacle de danse »), Marco Lorenzi (La collectionneuse et Affabulazione ), Philippe Kratz (Lydia, The red shoes, Camera Obscura ), Alessio Maria Romano (Principia ), Giorgia Nardin (Ghisher, Anahit ), Fattoria Vittadini (Amor, Salvaje, To this purpose only ) ainsi que pour toutes les créations d’Annamaria Ajmone, avec lesquelles elle est nominée aux Prix Ubu 2022 dans la catégorie « Meilleure conception lumière ». De 2018 à 2021, elle a assuré la direction technique et la mise en scène de SpazioFattoria, de T!nk P!nk et du Festival del Silenzio à Milan. Depuis 2022, elle enseigne à la Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi de Milan. En 2024, elle remporte le Prix Ubu de la meilleure conception lumière pour le spectacle *La ferocia *.

Andrea Gianessi
Musique et conception sonore
Compositeur, concepteur sonore, musicien et auteur. Diplômé avec mention en musique (DAMS) à Bologne, il se consacre à l’exploration des potentialités dramaturgiques du son. Il est le fondateur du tsd – teatro dei servi disobbedienti et du DAS – Dispositivo Arti Sperimentali de Bologne, dont il assure la direction artistique jusqu’en décembre 2024. En 2025, il fonde, avec la metteuse en scène Federica Amatuccio, la Diade, un groupe de recherche performative. Il réalise des musiques et des conceptions sonores pour le théâtre, en collaboration avec des artistes tels que Fabio Condemi, Antonio Latella, Giuseppe Stellato, Franco Visioli (Stabilemobile), Silvia Rigon, Michela Lucenti (Balletto Civile), Fanny & Alexander, Jacopo Squizzato, Menoventi, Mitmacher Teatro, Ateliersi, Andrea Centazzo, Masque Teatro. Ses œuvres sont présentées dans des lieux tels que l’Emilia Romagna Teatro ERT, le Teatro di Roma, le Teatro Stabile de Turin, le TPE - Teatro Piemonte Europa, LAC Lugano Arte e Cultura, le CSS Teatro stabile di innovazione del Friuli-Venezia Giulia, le Campania Teatro Festival, le Festival delle Colline Torinesi, le Kilowatt Sansepolcro, le Cantiere Poetico Santarcangelo, le Ravenna Festival, l’OperaEstate, l’Accademia di Belle Arti di Bologna et la Biennale Teatro de Venise. 

Andrea Lucchetta
Assistant à la mise en scène
Né en 1998, il débute sa carrière professionnelle en mettant en scène *Cécité* de José Saramago au Teatro Nuovo de Naples en 2017. En 2021, il obtient son diplôme de mise en scène à l’Académie nationale d’art dramatique « Silvio D’Amico » de Rome. Il a assuré la mise en scène de certaines de ses propres productions, sous la houlette de professionnels tels que Giorgio Barberio Corsetti dans *Sulla strada maestra* d’Anton Tchekhov, Massimiliano Civica dans une étude sur Patroni Griffi, et Arturo Cirillo dans *Questi Fantasmi* d’Eduardo De Filippo. Il collabore en tant qu’assistant auprès de Sergio Ariotti, Andrea De Rosa, Andrea Baracco, Carlo Cecchi, Fabio Condemi et Leonardo Manzan. Il est le fondateur du collectif Asilo Republic. Parmi ses réalisations, citons *Il Calapranzi* d’Harold Pinter au Teatro Nuovo de Naples, une étude sur Friedrich Dürrenmatt au Teatro India de Rome, *Électre* d’Euripide, *Dust to Dust* de Robert Farquhar, *L’isola di Arturo* d’Elsa Morante, ainsi que *Il tempo di stare insieme* , dont il assure la dramaturgie et la mise en scène. En 2022, il met en scène *La Tempête* de William Shakespeare, dans la traduction d’Eduardo De Filippo, au Teatro Olimpico de Rome. En 2023, le projet *Shame Culture*, produit par le Teatro Elfo Puccini de Milan, fait ses débuts.