Geister, Erinnerung, Aufklärung 

Winter 1798: Ein auf Mesmerismus spezialisierter Arzt kommt nach Dux in Böhmen, um den alten Bibliothekar zu besuchen. Dieser Bibliothekar ist Giacomo Casanova, der seit fünfzehn Jahren im Dienst des Grafen von Waldstein steht. Casanova wirkt alt und mitgenommen. Er katalogisiert gerade Bücher und ist verärgert über die Höflinge von Dux, die mit ihm auf Deutsch sprechen, einer Sprache, die er nicht beherrscht. Das einzige Unterfangen, das ihn derzeit noch begeistert, ist das Verfassen der „Histoire de ma vie“, des gigantischen Memoirenwerks über sein Leben, seine Abenteuer, seine Reisen und seine Fluchtgeschichten. Als er beim siebten Band angelangt war, begann Casanova, sein Gedächtnis zu verlieren, und ließ voller Angst den Mesmeristen rufen, um es wiederzuerlangen. Der alte Casanova, ewig im Exil und Fremder in der Neuen Welt, eine Kraft der Vergangenheit, ist besessen von der verlorenen Zeit, von der verlorenen Kindheit, und erinnert sich, um diese Momente mit ganzem Wesen wieder zu erleben. Während der mesmerischen Sitzung beginnt Casanova in einem veränderten Bewusstseinszustand, sich zu erinnern; doch es sind keine echten Erinnerungen, sie unterscheiden sich von denen, die er in seinen Memoiren beschrieben hat, sie haben den Charakter von Visionen, Vorahnungen, Erscheinungen. Der Arzt hört sich Casanovas Geschichte an, eine Geschichte voller Geister und Geisterbilder. Die Erinnerung beginnt für Casanova mit einer Nasenblutung. Ein Kind, dem das Blut reichlich aus der Nase fließt. Nach der Erinnerung bzw. dem Tagtraum von der Nasenblutung findet sich Casanova in der Dunkelheit eines Klosters wieder: das weiße Bett im Mondlicht, die Stimmen der Priester, deren Forderungen an ihn, die Verbundenheit mit seinen Mitbrüdern. Casanova, mittlerweile tief in den mesmerischen Schlaf versunken, findet sich an seiner letzten Nacht in Freiheit auf einem venezianischen Bankett wieder. Tatsächlich wurde er in der Nacht vom 25. auf den 26. Juli 1755 verhaftet und in den Piombi eingesperrt. Die offizielle Anklage lautete, er habe antireligiöse Verse verbreitet. Der Mesmer-Arzt, der versucht, ihn zu heilen bzw. aufzuwecken, verwechselt sich im Traum mit seinem Zellengenossen, dem Somasco-Mönch Marino Balbi. In der Nacht seiner Flucht aus den Piombi ereignet sich das Erdbeben von Lissabon, ein Ereignis, das das Gewissen einer ganzen Generation erschütterte. Das Erdbeben hatte einen starken Einfluss auf viele europäische Denker der Aufklärung, die im Rahmen der sogenannten Katastrophenphilosophie darüber debattierten. Die scheinbare Willkür, mit der Menschen durch das Erdbeben verschont blieben oder ums Leben kamen, nutzte Voltaire, um das Konzept der „bestmöglichen Welt“ zu diskreditieren. Casanova flieht aus Venedig. Sein langes Exil beginnt. In Paris besucht er den Salon der Marquise d’Urfé, einer Verehrerin esoterischer Künste. Die Marquise, die nach Casanovas eigenen Worten „nur aus einem Übermaß an Intelligenz verrückt“ war und den Initiationsnamen Egeria trug, war eine Anhängerin der Magie und Schülerin des Alchemisten Benoît de Maillet, genannt Taliamed, und selbst eine „hervorragende Alchemistin“. D’Urfé besaß ein regelrechtes alchemistisches Labor und hatte in ihrer Bibliothek eine umfangreiche Sammlung bedeutender Manuskripte, insbesondere von Paracelsus, zusammengetragen. Die Marquise wird von Henriette abgelöst. In seinem autobiografischen Werk berichtet Casanova, dass er im Herbst 1749 in Cesena auf eine bezaubernde junge Französin gestoßen sei, die auf der Flucht vor den ihr von Ehemann und Schwiegervater zugefügten Ungerechtigkeiten – in Männerkleidung – in Begleitung eines älteren Hauptmanns eines ungarischen Regiments auf dem Weg nach Parma war. Die junge Frau, deren Bildung und Feingefühl auf ihre hohe Abstammung hindeuten, lässt sich Henriette nennen. Vielleicht ist Henriette die einzige Frau, die Casanova je geliebt hat, und doch kann er sich nicht an ihr Gesicht erinnern. Das Letzte, was Henriette zu Casanova sagte (bzw. auf eine Glasscheibe schrieb), war: „Du wirst auch Henriette vergessen.“ Am Ende der Sitzung, deren Ziel es war, das verlorene Gedächtnis wiederherzustellen, begreift Casanova, dass er vielleicht einfach alles vergessen muss. 

Sonate der Geister  

„Casanova“ ist eine Meditation über Erinnerung und Zeit: nicht nur über die von Giacomo Casanova, sondern über eine ganze Epoche. Es gibt Persönlichkeiten, an denen sich der Wandel einer historischen Epoche ablesen lässt. Casanova – geboren zu Beginn des Jahrhunderts, im Jahr 1725, und gestorben an der Schwelle zum nächsten, im Jahr 1798 – ist eine dieser Figuren, die wie Schlachtfelder wirken. Nur wenige waren so zutiefst europäisch wie er, Ausdruck einer überschwänglichen Kultur, die frei von nationalen Grenzen war; nur wenige haben es – fast wider Willen – so gut verstanden, ein ganzes Jahrhundert zu verkörpern. Giacomo Casanova ist vielleicht der perfekteste Lackmustest des 18. Jahrhunderts, eines Jahrhunderts, das eine der größten kulturellen, politischen und anthropologischen Umwälzungen erlebt, an die sich die Geschichte erinnert: das Ende des Adels und der Aufstieg des Bürgertums; den Niedergang religiöser Mythen und die Beschleunigung des Marktkapitalismus; den Beginn des Zeitalters der Aufklärung und des materialistischen Rationalismus. Es ist das Jahrhundert Kants und des „Verschwindens der Realität“ zugunsten der subjektiven Wahrnehmung der Welt. Es ist das Jahrhundert des Erdbebens von Lissabon, das 1755 das Bewusstsein ganz Europas erschütterte und die Überzeugung hervorbrachte, dass nicht göttliche Weisheit die Natur beherrsche, sondern blinder Zufall und reine Deterministik. Es ist das Jahrhundert Voltaires, der tatsächlich als Kommentator der Ereignisse auf der Bühne erscheint; es ist das Jahrhundert der Technik und der ersten Industriemaschinen; es ist das Jahrhundert des ersten Fluges an Bord eines Heißluftballons, der unermessliches Staunen hervorrief und viele davon träumen ließ, die Naturgesetze durch menschlichen Einfallsreichtum zu überwinden. Schließlich ist es das Jahrhundert der Französischen Revolution, ein wahrer Wendepunkt zwischen zwei Epochen. Bei all diesen Ereignissen war Casanova in gewisser Weise ein Zeuge, ein unbequemes, lästiges, gequältes Gewissen – ein vollendeter Ausdruck seiner Zeit und zugleich ihr verdrängtes Element, etwas Hartnäckiges, Beunruhigendes und Regressives, das der Fortschritt ausstoßen muss, um sich weiterentwickeln zu können. Dieser melancholische und nachtragende Mann, der wie ein Gefangener in einer kleinen Bibliothek in Böhmen eingesperrt ist, ist nicht nur eine berühmte Persönlichkeit einer vergangenen Zeit: Er ist eine tragikomische Maske, ein sich wandelndes Paradigma, eine Ikone, die das Ende einer Welt und den Beginn einer anderen markiert.  
Das Theater, so sagte Artaud, sei ein Dialog mit den Toten. Dies ist der Kern, um den sich „Casanova“ dreht: das Theater als Ritual, das die Lebenden und die Toten, Gegenwart und Vergangenheit, das, was ist, das, was nicht mehr ist, und sogar das, was sein wird, miteinander verbindet. Die Zeit ist unwiderruflich und fließt nur in eine Richtung; was einmal geschehen ist, kehrt nie wieder zurück: Daran erinnern die Figuren, die Casanova in dieser langen Nacht besuchen, immer wieder – wie eine Art unermüdliche Mahnung. Und doch ermöglicht der Theaterritus das, was im Leben unmöglich ist: die Einseitigkeit der Zeit zu durchbrechen, ihren Fluss umzukehren, die Karten des Unwiderruflichen neu zu mischen. Das Leben von Giacomo Casanova war schon immer eine Hymne an die Lebenskraft: Abenteurer, Liebhaber, Glücksspieler, Flüchtling, Söldner, wandernder Philosoph – sein Dasein ist stets von einem unbändigen und schwer fassbaren Verlangen durchzogen: eine Unruhe, eine ständige Flucht nach vorn. Nun, im letzten Akt seines Lebens, wird diese Unruhe zum Symbol einer verzweifelten Rebellion gegen die Sterblichkeit. Dies verkörpern die verschiedenen Figuren dieser Sonate der Geister: der umgängliche und zwiespältige Mesmerist; der Mönch Marino Balbi, Casanovas Zellengenosse während seiner Haft im Piombi-Gefängnis; die junge Geliebte (und später verlassene) Henriette; und vor allem die mondähnliche, esoterische und futuristische Marquise D’Urfé: Versuche, die Entropie der Welt aufzuhalten, jene Unumkehrbarkeit zu verändern, die jedes Leben wie ein Schicksal erscheinen lässt. Jeder von ihnen stellt einen Wendepunkt im Leben Casanovas dar, ein Fragezeichen in seiner Biografie, wie eine dramatisch offene Weggabelung. Wie Friedrich Nietzsche einmal schrieb: Man erinnert sich nur an das, was nie aufgehört hat zu schmerzen. 

Das Bühnenbild zu „Casanova“ setzt den Forschungsansatz fort, den ich seit 2017 gemeinsam mit Fabio Condemi verfolge und der auf der Biennale von Venedig mit „Jakob von Gunten“ von Robert Walser begann. Seitdem haben wir uns mit bedeutenden Texten auseinandergesetzt, sowohl theatralischen als auch anderen: „Die Philosophie im Boudoir“ von Sade, „Nottuari“ von Thomas Ligotti, „Calderón“ von Pier Paolo Pasolini, „The Turn of the Screw“ von Benjamin Britten. In all diesen Arbeiten – und nun auch in „Casanova“ – war unser szenischer Ansatz nie monumental, sondern stets auf eine Leichtigkeit ausgerichtet, die flüchtige Bilder hervorbringt, die sich vor den Augen des Zuschauers wie in einem Traum zusammenfügen und wieder auflösen.  
Das Bühnenbild von „Casanova“ nimmt ausdrücklich Bezug auf die Bibliothek von Dux in Böhmen, wo der mittlerweile gealterte Protagonist seine Memoiren verfasst. Hier nimmt die dramaturgische Intuition von Fabrizio Sinisi Gestalt an: Die Erzählung entfaltet sich im Rahmen einer mesmerischen Sitzung und verwandelt die Erinnerung in eine Reise zwischen Erscheinungen und Verblassungen. Die Bibliothek wird so zu einem Rahmen, der einen wandelbaren Inhalt umschließt, ähnlich wie in den Werken von Giulio Paolini, der das Konzept des Rahmens nicht nur als Begrenzung des Werks, sondern als Tor zu anderen Welten untersucht hat. In unserer Inszenierung ist Dux’ Bibliothek dieser durchbrochene Rahmen, der sich zu inneren Visionen und Landschaften öffnet und an das Kino von Peter Greenaway und Ingmar Bergman erinnert, insbesondere an *Erdbeere* und *Fanny und Alexander* , in denen die Erinnerung den Raum in einen Ort des Geistes verwandelt. 
Im Mittelpunkt der Inszenierung steht das Spiel mit Überlagerungen und Transparenzen. Der kleine Casanova belebt den Raum mit einer Laterna Magica und bringt so Außenlandschaften in die Bibliothek hinein, während ein großes Fenster nicht auf einen Wald blickt, sondern auf einen Mondfelsen, der an die Sterne und die unendliche Zeit erinnert. Zwischen den Regalen zeigt ein Gemälde eine Himmelskuppel, einen gemalten Himmel, der zum Fenster in einen anderen Raum wird. 
Von grundlegender Bedeutung ist die Lichtgestaltung von Giulia Pastore, die ein Wechselspiel aus Dunkelheit und Licht schafft und es uns ermöglicht, eine mentale Montage der szenischen Elemente zu konstruieren. Wie das Licht greift auch die musikalische Dramaturgie von Andrea Gianessi in den Prozess der Ausdehnung und Verengung des Raums ein. Die Klanglandschaft projiziert das Äußere ins Innere: Der Klang der Lagune von Venedig vermischt sich mit dem eines mechanischen Cellos, einer zölibatären Maschine, die – wie alle auf der Bühne präsenten Maschinen der Vision – dazu bestimmt ist, Durchgänge zu öffnen, jedoch ohne endgültiges Ziel. Das Kloster wird durch ferne Chöre heraufbeschworen, das Erdbeben durch eine dumpfe Schwingung, ein Echo der Erinnerung. 
Auch die Kostüme von Gianluca Sbicca tragen zu dieser Konstruktion einer nichtlinearen Zeit bei. Das 18. Jahrhundert wird in den Kostümen und einigen szenischen Elementen zitiert, aber nicht originalgetreu nachgebildet: Es ist ein Divertissement , ein Spiel mit der zeitgenössischen Bildwelt. 
Jedes Objekt auf der Bühne ist ein Mechanismus der Erinnerung. Der kleine Heißluftballon, der sich fast wie ein Spielzeug von der Bühne abhebt, verwandelt sich in der Interpretation von Sandro Lombardi in ein gigantisches Bild, das Welten eröffnen kann. Wie das Nasenbluten, das Casanova als Kind hatte – die Epistaxis, die erste Vision, aus der alles entspringt –, wird jedes szenische Element zu einem Zugangspunkt zu Erinnerungen, zu einem Fragment, das sich zu neuen Visionen ausweitet.

Als Fabio Condemi mich bat, an diesem Projekt mitzuarbeiten, war sein Interesse an der Kostümkunst des 18. Jahrhunderts, verbunden mit einer venezianischen Bildwelt, von Anfang an klar: die Schnitte in den Gemälden von Pietro Longhi, die Farben von Tiepolo und die für die Lagune im Winter typischen dämmerungsartigen Stimmungen. Um mich dieser Vision anzunähern, habe ich mir Figuren vorgestellt, die schon auf den ersten Blick an ihrer Silhouette und ihren Farben erkennbar sind, dem Publikum einen klaren Bezugspunkt bieten und so identifizierbar machen. Alles ging von Casanovas Kostüm aus, das mir den Schlüssel zum Verständnis aller anderen lieferte, sowie von Fabio Cherstichs Bühnenkonzept, das mit seinem installationsartigen Umgang mit dem Raum Kostüme im Stil des 18. Jahrhunderts erforderte, jedoch ohne die für den Rokoko typischen Verzierungen und Überbauungen. 
Der endgültige Effekt besteht darin, Kostüme auf die Bühne zu bringen, die auf ihre Weise „minimalistisch“ wirken, kräftige Farben aufweisen und, wenn sie im Gegenlicht beleuchtet werden, zu Silhouetten werden, die sofort an die Epoche von Giacomo Casanova erinnern. 

In der böhmischen Bibliothek, in der er eingesperrt ist, sucht Casanova im Schein einer Kerze nach den Gesichtern der Menschen, die er gerade vergisst, ohne sie jedoch zu finden.  
Wenn die Nacht hereinbricht und es ihm endlich gelingt, in den Traum einer mesmerischen Sitzung einzutauchen, führt ihn das Rauschen des Wassers zum dunklen Meer Venedigs, aus dem er wieder in den Raum seiner Erinnerungen auftaucht. Hier, als würden sie vom Licht eines Karussells bewegt, leuchten die Gestalten, die ihm erscheinen, kurz auf, bevor sie verschwinden, und wirken wie flüchtige Schimmer der Realität, Fragmente der Vergangenheit, die einen Geist besuchen, der dem Vergessen geweiht ist. 
Auf der Bühne wird Casanova zum Zuschauer unfassbarer Bilder, die sich auflösen und zu neuen Formen zusammensetzen, wobei sie sich mit Farben und Rauch vermischen. Während er seiner Mutter nachjagt, die ihn an einem dunklen Ufer zurückgelassen hat, versucht er, dem Lichtkegel des Piombi-Gefängnisses zu entfliehen, klammert sich zärtlich an das Spiegelbild von Henriettes Liebe, hinter ihm taucht der Schatten von Erdbeben und Revolutionen auf.  
Doch im Raum zwischen Licht und Dunkelheit, in der Zeit zwischen Schlaf und Wachsein, kann alles, was uns lieb ist, zurückkehren – ohne Rücksicht auf die vergehende Zeit und die sich wandelnde Welt.  

Die Musik und das Sounddesign, die ich für „Casanova“ entworfen habe, greifen das Thema der Erinnerung auf, die nach und nach verblasst – ein Phantom, ein verschwommenes Bild, das sich in der Zeit verliert, eine Grenze zwischen einer alten Welt, die zum Verschwinden bestimmt ist, und einer revolutionären Zukunft, die noch zu begreifen ist. Das Cello ist mein dramaturgischer und musikalischer Leitfaden, ein Faden der Erinnerung, der nie ganz gerissen ist; es ist das Instrument, das mit der einzigen Frau verbunden ist, die Casanova vielleicht geliebt hat – der einzigen, an deren Gesicht er sich nicht erinnern kann. Die Klangwelt ist eine elektronische Verklärung des Venedigs des 18. Jahrhunderts, im Hintergrund, in der Ferne, die Musik von Vivaldi und das Plätschern des Wassers in den Gassen zwischen den vor Anker liegenden Booten. Die Atmosphäre ist schwebend, fließend, wie in einer hypnotischen Sitzung, in der Klänge auftauchen, um die Menschen und Geschichten aus dem Leben des Protagonisten zu verkörpern. Eine wirbelnde akusmatische Welt, deren Dreh- und Angelpunkt und Ursprung in Wirklichkeit das Cello ist, sowohl in den Elementen des Sounddesigns als auch in der Musik. Von Vivaldis Cellosonaten, die dekonstruiert und neu komponiert, in retro-futuristischen synthetischen Klängen widerhallend oder verfremdet werden, über elektronisch bearbeitete Samples, die aus den Experimenten der Cello-Musik des 20. Jahrhunderts stammen, bis hin zu minimalistischen Verfahren wie der Wiederholung in Loops, der Dehnung und der Phasenverschiebung der ursprünglichen musikalischen Zellen. Jeder Klang taucht uns unweigerlich in die verschwommenen Geister der Erinnerung ein, in die Landschaft der ultimativen Einsamkeit Casanovas. 

Fabrizio Sinisi
Dramaturgie
Dramatiker, Dichter und Schriftsteller; 2012 gab er sein Debüt als Theaterautor mit dem Stück „La grande passeggiata“ unter der Regie von Federico Tiezzi. Seit 2010 ist er Dramaturg der Compagnia Lombardi-Tiezzi und künstlerischer Berater des Centro Teatrale Bresciano. Seine Werke wurden auch in Österreich, Kroatien, Ägypten, Frankreich, Deutschland, Großbritannien, Griechenland, Rumänien, Spanien, Schweden, der Schweiz und den Vereinigten Staaten übersetzt und aufgeführt. Er arbeitet regelmäßig mit „Doppiozero“ und der Tageszeitung „Domani“ zusammen. Er erhielt verschiedene Auszeichnungen, darunter eine lobende Erwähnung des American Playwrights Project, den Testori-Preis für Literatur und den Nationalen Preis der Theaterkritiker. Im Jahr 2025 erscheint sein erster Roman bei Mondadori.

Fabio Condemi ,
Regie ,
Jahrgang 1988, schloss seinen Studiengang Regie an der Nationalen Akademie für Darstellende Kunst „Silvio d’Amico“ in Rom ab. Anschließend arbeitete er mit Giorgio Barberio Corsetti als Assistent bei Theater- und Operninszenierungen sowie bei pädagogischen Projekten zusammen. 2018 debütierte er bei der Theaterbiennale in Venedig unter der Leitung von Antonio Latella mit „Jakob Von Gunten“ , einer Adaption des Romans von Robert Walser. Im folgenden Jahr präsentierte er am Teatro India in Rom und am Teatro Verdi in Pordenone „Questo è il tempo in cui attendo la grazia “, einen Monolog, der von Pasolinis Drehbüchern inspiriert ist und von Gabriele Portoghese interpretiert wurde. Seit 2019 ist er zusammen mit DOM, Industria Indipendente, mk und Muta Imago Teil des neuen Produktions- und Wohnprojekts „Oceano Indiano“ des Teatro di Roma. Im Jahr 2020 präsentiert er an der Theaterbiennale in Venedig „La filosofia nel boudoir del Marchese de Sade“, ein Stück, mit dem er 2021 den Ubu-Preis für die beste Regie gewinnt. Für das digitale Projekt des LAC Lingua Madre. Capsule per il futuro übernimmt er die Regie bei „Analisi Logica“ nach einem Text von Riccardo Favaro, einem Stück, das für das „Incontro del Teatro Svizzero 2022“ ausgewählt wurde. Im Jahr 2022 bringt er „Calderón“ von Pier Paolo Pasolini auf die Bühne, das im Rahmen des internationalen Projekts „Prospero Extended Theatre“ entstanden ist. Im Jahr 2023 inszeniert er „Nottuari“ , basierend auf den Werken von Thomas Ligotti, und gibt sein Debüt als Opernregisseur mit „The Turn of the Screw“ von Benjamin Britten für die Theater von Reggio Emilia. Im Jahr 2024 übernimmt er die Regie bei „Ultimi crepuscoli sulla terra “, inspiriert von den Werken von Roberto Bolaño.  

Sandro Lombardi
Casanova
Schauspieler, Dramatiker und Schriftsteller. Unter der Regie von Federico Tiezzi spielte er unter anderem Stücke von Aristophanes, Beckett, Bernhard, Brecht, D’Annunzio, Luzi, Pasolini, Pirandello und Schnitzler. Von großer Bedeutung sind seine Inszenierungen nach Giovanni Testori, die das Bild des lombardischen Schriftstellers revolutioniert haben. Zwischen 1988 und 2002 erhielt er viermal den Ubu-Preis für die beste männliche Darstellerleistung. Er hat Pasolinis „Poesie“ und Dantes „Inferno“ (Garzanti) auf CD aufgenommen; außerdem „Das Theater von Giovanni Testori in den Inszenierungen von Sandro Lombardi und Federico Tiezzi“ (Edizioni ERI) sowie „Cleopatràs“ von Giovanni Testori. Zu seinen jüngsten, einhellig gelobten Darbietungen zählen „Antichi Maestri“ von Thomas Bernhard (2020), „Szenen aus Faust“ von Johann W. Goethe und „Il Purgatorio“ von Mario Luzi (2022). Bei seiner Regiedebüt inszenierte er Anna Della Rosa in „Erodiàs + Mater strangosciàs“ (2023). In den Bereichen Theater, Musik und Rundfunk arbeitete er unter anderem mit Furio Bordon, Arturo Cirillo, Giancarlo Cobelli, Rainer W. Fassbinder, Roberto Latini, Claudio Longhi, Mario Martone, Riccardo Muti, Giorgio Pressburger, Carlo Quartucci, Pascal Rambert, Paolo Rosa, Giorgio Sangati, Fabrizio Sinisi und Fabio Vacchi. Bei Garzanti veröffentlichte er „Gli anni felici“ , einen Bildungsroman, der 2004 mit dem Premio Bagutta Opera Prima ausgezeichnet wurde. Im Jahr 2009 erschien sein erster Roman „Le mani sull’amore“ (Feltrinelli), gefolgt von „Queste assolate tenebre“ (Lindau) im Jahr 2015, der sich auf seine Zusammenarbeit mit Mario Luzi konzentriert.

Marco Cavalcoli Mesmerista
  
Er absolvierte seine Ausbildung am Teatro delle Albe und arbeitete anschließend in der experimentellen Theaterszene der frühen 90er Jahre, insbesondere mit dem Teatrino Clandestino, der Disco-Theatergruppe Teddy Bear Company und schließlich bei Fanny & Alexander, deren Mitglied er seit 1998 ist und mit der er in zahlreichen Theater-, Musik- und Installationsproduktionen auf der Bühne stand. Er bewegt sich zwischen Theater, Musik, audiovisuellen und radiophonen Produktionen und arbeitete unter anderem mit Elvira Frosini und Daniele Timpano, lacasadargilla, dem Nextime Ensemble und Tempo Reale, Mario Perrotta, Giorgina Pi, Mauro Lamanna, Gob Squad, Geppy Gleijeses, Fabio Cherstich, Fabio Condemi, Nerval Teatro, Anagoor, Silvia Rigon, Jacopo Panizza und Wang Chong, Forced Entertainment und Aldes, Berardo Carboni, Paolo Bonacelli, Veronica Cruciani, Lorenzo Gioielli, Luigi Polimeni sowie Dimitri Grechi Espinoza. Im Kino wurde er von Sydney Sibilia, den Manetti Bros, Antonio Bigini und Alessandro Soetje inszeniert und als Synchronsprecher von Mitra Farahani und Giovanni Piperno eingesetzt. Er liest für die Sendungen „Ad alta voce“ und „Cose che succedono la notte“ von Rai Radio 3. Er unterrichtet an der Nationalen Akademie für Darstellende Kunst „Silvio D’Amico“ und an der STAP Brancaccio in Rom. Im Jahr 2022 gewann er den Ubu-Preis als bester italienischer Schauspieler. 

Simona De Leo
Henriette
Sie wurde 2001 in Cinquefrondi in der Provinz Reggio Calabria geboren. Nach dem naturwissenschaftlichen Abitur besuchte sie die Theaterschule „Luca Ronconi“ des Piccolo Teatro in Mailand, wo sie im Juni 2024 ihr Diplom erhielt. Im Dezember desselben Jahres wirkte sie in dem Stück „Ein Sommernachtstraum (mit fortlaufendem Kommentar)“ von William Shakespeare/Riccardo Favaro unter der Regie von Carmelo Rifici mit.

Alberto Marcello
Voltaire  
Geboren 1996, begann er seine Ausbildung bei der Schauspielerin Lea Karen Gramsdorff, mit der er eine langjährige Zusammenarbeit begann. Im Jahr 2017 wird er an der Theaterschule „Luca Ronconi“ des Piccolo Teatro in Mailand unter der Leitung von Carmelo Rifici aufgenommen, wo er unter anderem bei Alessio Maria Romano, Francesca della Monica, Antonio Latella, Paolo Rossi, Stefano Massini, Massimo Popolizio, Marta Ciappina und Lisa Ferlazzo Natoli. Sein Debüt am Piccolo Teatro in Mailand gab er mit „Doppio sogno“ , einer Adaption der gleichnamigen Novelle von Arthur Schnitzler unter der Regie von Carmelo Rifici, mit dem er auch in „Ci guardano – prontuario di un innocente“ im Rahmen von „Lingua Madre“ zusammenarbeitete. „Capsule per il futuro “, Gewinnerprojekt des Sonderpreises Ubu 2021. Nach ihrem Abschluss wirkte sie in zahlreichen Stücken mit und arbeitete dabei mit verschiedenen Regisseuren zusammen, darunter Giacomo Lilliù in „Teoria della classe disagiata“ , Romeo Gasparini in „Il grande nulla “, Chiara Cingolani in „Astra Nostra “ und Federico Tiezzi in „Il Purgatorio“. „La notte lava la mente “, Andrea Chiodi in „Sogno di una notte di mezza estate“ und „La Passione“ , Giovanni Ortoleva in „La dodicesima notte (o quello che volete)“ und „La signora delle Camelie “. Im Fernsehen wirkte sie in der Serie „Il Mostro “ unter der Regie von Stefano Sollima mit.    

Betti Pedrazzi
Marchesa D’Urfé
Nach ihrem Abschluss an der Nationalen Akademie für Darstellende Kunst „Silvio D’Amico“ in Rom begann sie ihre Zusammenarbeit mit Luca Ronconi, ihrem ersten Lehrer und Regisseur. In diesen Jahren gründete sie die Theatergruppe „Il Quadro“ und leitete das Teatro Nuovo Eden in Carpi. Am Theater arbeitete sie unter anderem mit Luca Ronconi, Giancarlo Cobelli, Vincenzo Salemme, Carlo Cecchi, Valerio Binasco, Toni Servillo, Roberto Andò und Jean Bellorini zusammen. Sie gewann den Borgio-Verezzi-Preis als beste Nebendarstellerin in der Rolle der Emilia in William Shakespeares „Othello“ und wurde für den Ubu-Preis für Carlo Goldonis „Trilogia della villeggiatura“ nominiert. Zuletzt stand sie unter der Regie von Lino Musella in „Pinter Party“ auf der Bühne.  Zu ihren bedeutendsten Filmrollen der letzten Zeit zählen „18 regali“ von Francesco Amato, „Figli“ von Mattia Torre und Giuseppe Bonito, „È stata la mano di Dio“ von Paolo Sorrentino, „Il più bel secolo della mia vita“ von Alessandro Bardani, „Benvenuti in casa Esposito“ von Gianluca Ansanelli, „Immaculate“, eine internationale Koproduktion unter der Regie von Michael Mohan, sowie „Iddu“ von Fabio Grassadonia und Antonio Piazza, der im Wettbewerb der Filmfestspiele von Venedig 2024 läuft. Im Fernsehen wirkte er in verschiedenen Fernsehserien mit, darunter zuletzt „Vostro Onore“ und „Il metodo Fenoglio“ unter der Regie von Alessandro Casale, „Imma Tataranni“ von Francesco Amato sowie „Antonia“ unter der Regie von Chiara Malta.

Edoardo Matteo
Casanova als Kind  
Er wurde 2012 in Mailand als ältester von drei Brüdern geboren. Schüchtern und introvertiert liebte er schon immer die Welt des Showbusiness und des Kinos und fand im Schauspielern eine Möglichkeit, seine Lieblingsfiguren zu verkörpern und sich selbst voll und ganz auszudrücken. Im Jahr 2019 zog er in die Schweiz, wo er begann, seine Leidenschaft zu pflegen und eine Schauspielschule zu besuchen. „Casanova“ von Fabio Condemi markierte sein Debüt auf der Bühne.

Fabio Cherstich Bühnenbild
und Bilddramaturgie   
Geboren 1984, ist er Regisseur und Bühnenbildner für Theater und Oper. Seine Arbeit verbindet eine akribische Aufmerksamkeit für die visuelle Ästhetik mit der Leidenschaft für neue Medien und zeitgenössische künstlerische Ausdrucksformen. Er hat an zahlreichen Theatern gearbeitet, darunter am Mariinsky-Theater in Sankt Petersburg, am Teatro Massimo in Palermo, am Teatro dell’Opera in Rom, an der Opéra d’Avignon, an der Opéra de Marseille, am Théâtre Maillon in Straßburg, am Teatro Argentina in Rom und an den I Teatri di Reggio Emilia. Seine Inszenierungen wurden zu renommierten internationalen Veranstaltungen eingeladen, darunter das Festival di Napoli, das Festival Première-Strasbourg, das Festival Dei Due Mondi in Spoleto, das STUCK Contemporary Art Center Festival in Leuven und die Theaterbiennale in Venedig. Er ist Schöpfer und Regisseur von „Operacamion“ , einer Oper auf Rädern, die von der New York Times als „ein einzigartiges Projekt, das die Oper zu ihren Ursprüngen zurückführt“ beschrieben wurde. Als Regisseur von Performance-Veranstaltungen im Bereich Mode und Design hat er mit Marken wie Cassina, Gufram, Memphis Milano, Fay, Hermès, Off-WHITE und Acne Studio zusammengearbeitet. Er unterrichtet Ästhetik der Theaterregie an der Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi und an der Universität IULM in Mailand. Seit jeher interessiert er sich für zeitgenössische Kunst, mit besonderem Augenmerk auf die Underground-Szene Manhattans der 80er und 90er Jahre. Seit 2019 ist er Kurator des Larry Stanton Estate in New York.

Gianluca Sbicca Kostüme
  
Geboren 1973, studierte er Bühnenbild an der Accademia di Brera in Mailand. Nach verschiedenen Tätigkeiten im Modebereich kam er als Assistent von Jacques Reynaud für „Lolita“ – nach dem Drehbuch von Vladimir Nabokov (2001) unter der Regie von Luca Ronconi – zum Theater, mit dem er auch bei „Phoenix“ von Marina Zwetajewa (2001). Ebenfalls unter der Regie des Meisters entstand das erste Stück, für das er die Kostüme entwarf: „Candelaio“ von Giordano Bruno (2001). So begann eine künstlerische Zusammenarbeit mit Ronconi, die 15 Jahre lang andauerte, bis zu dessen letzter Inszenierung, „Lehman Trilogy “. Anschließend arbeitete sie fest mit Claudio Longhi zusammen, für den sie die Kostüme für verschiedene Inszenierungen entwarf, darunter „La classe operaia va in paradiso “ und „Ho paura torero “. Im Laufe seiner Karriere arbeitete er zudem sowohl im Theater als auch in der Oper mit zahlreichen Regisseuren zusammen, darunter Massimo Popolizio, Stefano Ricci, Peter Greenaway, Alvis Hermanis, Gabriele Lavia, Federico Tiezzi, Valter Malosti, Giorgio Sangati, Jacopo Gassmann, Sergio Blanco, Roberto Latini, Fabio Condemi, Fabio Cherstich, Lino Guanciale sowie Fanny & Alexander. Er arbeitet regelmäßig mit dem Modedesigner Antonio Marras an verschiedenen Installationen und Theateraufführungen zusammen. Im Jahr 2018 gewann sie den Ubu-Preis und den Preis „Le Maschere del Teatro Italiano“ für die Kostüme in „Freud oder die Deutung der Träume“ von Federico Tiezzi; im Jahr 2022 erhielt sie den Ubu-Preis für die Kostüme in „M – Der Sohn des Jahrhunderts“ von Massimo Popolizio. 

Giulia Pastore Lichtdesign
Nach
dem humanistischen Gymnasium und dem Studium der Darstellenden Künste spezialisierte sie sich auf Lichtdesign und begleitet seit 2012 Theater- und Tanzensembles bei italienischen und internationalen Produktionen und Tourneen. Sie war für die Lichtgestaltung bei Deflorian/Tagliarini („La vegetariana“, „Avremo ancora occasione di ballare insieme“, „Chi ha ucciso mio padre“, „Il cielo non è un fondale“, „Memoria di ragazza “) verantwortlich, Carmelo Rifici („Le relazioni pericolose“ ), VicoQuartoMazzini („La ferocia“ ), Cristina Rizzo („Bolero Effect“, „Ikea“, „Prelude“ ), Marco D’Agostin („Best Regards“ , nominiert für den Ubu-Preis 2021 als bestes Tanzstück), Marco Lorenzi („La collezionista“ und „Affabulazione“ ), Philippe Kratz („Lydia“, „The red shoes“, „Camera Obscura“ ), Alessio Maria Romano („Principia“ ), Giorgia Nardin („Ghisher“, „Anahit“ ), Fattoria Vittadini („Amor“, „Salvaje“, „To this purpose only“ ) sowie für alle Arbeiten von Annamaria Ajmone, mit denen sie für den Ubu-Preis 2022 in der Kategorie „Bestes Lichtdesign“ nominiert ist. Von 2018 bis 2021 war sie für die technische Leitung und die Inszenierungen von SpazioFattoria, T!nk P!nk und dem Festival del Silenzio in Mailand verantwortlich. Seit 2022 unterrichtet sie an der Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi in Mailand. Im Jahr 2024 gewann er den Ubu-Preis für das beste Lichtdesign für das Stück „La ferocia “.

Andrea Gianessi
Musik und Sounddesign
Komponist, Sounddesigner, Musiker und Autor. Nach seinem Abschluss mit Auszeichnung im Fach DAMS Musica in Bologna widmet er sich der Erforschung des dramaturgischen Potenzials von Klang. Er ist Gründer des „tsd – teatro dei servi disobbedienti“ und des „DAS – Dispositivo Arti Sperimentali“ in Bologna, dessen künstlerische Leitung er bis Dezember 2024 innehat. Im Jahr 2025 gründet er gemeinsam mit der Regisseurin Federica Amatuccio die „Diade“, eine Forschungsgruppe für Performancekunst. Er komponiert Musik und gestaltet das Sounddesign für das Theater und arbeitet dabei mit Künstlern wie Fabio Condemi, Antonio Latella, Giuseppe Stellato, Franco Visioli (Stabilemobile), Silvia Rigon, Michela Lucenti (Balletto Civile), Fanny & Alexander, Jacopo Squizzato, Menoventi, Mitmacher Teatro, Ateliersi, Andrea Centazzo und Masque Teatro. Seine Werke werden an Orten wie dem Emilia Romagna Teatro ERT, dem Teatro di Roma, dem Teatro Stabile di Torino, dem TPE – Teatro Piemonte Europa, LAC Lugano Arte e Cultura, CSS Teatro stabile di innovazione del Friuli-Venezia Giulia, Campania Teatro Festival, Festival delle Colline Torinesi, Kilowatt Sansepolcro, Cantiere Poetico Santarcangelo, Ravenna Festival, OperaEstate, Accademia di Belle Arti di Bologna und La Biennale Teatro di Venezia. 

Andrea Lucchetta
Regieassistent
Geboren 1998, begann er seine berufliche Laufbahn 2017 mit der Inszenierung von „Blindheit“ von José Saramago am Teatro Nuovo in Neapel. Im Jahr 2021 erwarb er sein Diplom in Regie an der Nationalen Akademie für Darstellende Künste „Silvio D’Amico“ in Rom. Er hat einige eigene Produktionen unter der Anleitung von Fachleuten wie Giorgio Barberio Corsetti in „Sulla strada maestra“ von Anton Tschechow, Massimiliano Civica in einer Studie über Patroni Griffi und Arturo Cirillo in „Questi Fantasmi“ von Eduardo De Filippo betreut. Er arbeitet als Assistent für Sergio Ariotti, Andrea De Rosa, Andrea Baracco, Carlo Cecchi, Fabio Condemi und Leonardo Manzan. Er ist Gründer des Kollektivs „Asilo Republic“. Zu seinen realisierten Arbeiten zählen „Il Calapranzi“ von Harold Pinter am Teatro Nuovo in Neapel, eine Studie über Friedrich Dürrenmatt am Teatro India in Rom, „Elettra“ von Euripides, „Dust to Dust“ von Robert Farquhar, „L’isola di Arturo“ von Elsa Morante sowie „Il tempo di stare insieme“, bei dem er für Dramaturgie und Regie verantwortlich ist. Im Jahr 2022 bringt er „Der Sturm“ von William Shakespeare in der Übersetzung von Eduardo De Filippo am Teatro Olimpico in Rom auf die Bühne. Im Jahr 2023 feiert das Projekt „Shame Culture“, produziert vom Teatro Elfo Puccini in Mailand, Premiere.